20세기 음악 용어(홍정수, 오희숙 편)
-2002년 1월 근간도서 "20세기 음악미학"에서 기본 용어로 언급됩니다-
모더니즘(영.modernism, 도. Moderne)
아방가르드(프. avantgarde)
다다이즘(영. Dadaism)
새로운 실사주의(實事主義, 도.Neue Sachlichkeit)
기능음악(도. funktionale Musik, 영.functional music)
음렬음악(영. serial music, 도.serielle Musik)/ 점묘음악(點描音樂 도. puktuelle Musik)
킷츠(도. Kitsch)
열린 형식(도. offene Form, 영.open form)
꼴라쥐(프.collage. "붙이다"는 뜻의 coller로부터 유래)
표현주의(영. expressionism, 도.Expressionismus)
우연성 음악(영. chance operation, music by chance, 도. Zufallsmusik)
알레아 음악(영. aleatory music, 도. Aleatorik 라.alea="주사위)
제한된 알레아
음향음악(도. Klangkomposition)
기능음악(도. funktionale Musik, 영.functional music)
작품
실용음악(도. Gebrauchsmusik)
모더니즘(영.modernism, 도. Moderne)
(1)20세기의 새 음악(Neue Musik)에서 가장 중요한 미학적 원칙. 항상 변하고 새로워지는 예술사의 흐름 중에 "지금"이라는 시간을 의식하고 반영하는 예술. 프랑스의 시인 보들레르에 의해 주창된 모더니즘 예술은 "영원히" 효력이 있는 규칙 대신에 "지금"의 유행적이고 우연적인 요소들을 포함시켜 당대의 가장 정당한 예술이 되는 것을 지향한다. 아방가르드라는 용어와 유사한 점이 많다. 하지만 아방가르드가 "예술" 개념을 거부하는 데까지 나아가지만, 모더니즘은 "예술" 개념을 버리지 않는다.
(2)달하우스에 의해 규정된 시대 개념. 1890-제1차세계대전까지(일부는 20년대까지)지속된다.
아방가르드(프. avantgarde)
(1)원래 군대 용어로서 말뜻은 "최전방 부대"라는 뜻이다. 예술 분야에서는 19세기 중엽부터 사용되었는데, 급격한 진보적 성향을 일컫는 말이다. 단지 이런 언어의미적 용도로 이 용어가 사용되는 일이 많이 있다. 아방가르드가 예술분야에서 구체적으로 나타나는 것은 1910년대 이후이다. 여기에는 다다이즘, 초현실주의, 미래주의가 속한다. 이 예술 사조들은 반예술적 태도를 취함으로써 권위적이고 고착적인 예술을 거부했다. 하지만 이들 아방가르드는 음악분야에서 별 의미를 갖지 못한다.
(2)1950-70년대의 아방가르드 운동은 네오아방가르드(Neoavantgarde)라는 명칭으로 불리기도 한다. 2차 세계 대전 직후 아도르노의 아방가르드 옹호와 함께 예술적 아방가르드는 활력을 얻는다.
음렬음악, 음색작곡 연음악, 알레아 음악, 전자음악 등 당대의 새로운 것을 아방가르드 음악이라 불렀다. 음악가로서는1920-30년대에 출생한 불레즈(프랑스), 슈톡하우젠(독일), 노노(이태리)와 같이 다름슈터트를 중심으로 활약한 사람들이 여기에 속한다. 하지만 아방가르드를 더 엄격하게 구분하는 경우도 있다. 즉 케이지의 음악, 우연음악, 알레아 음악, 전자음악 등 기존의 작곡 양식과는 근본적으로 다른 음악을 아방가르드로 분류하는 것이 그것이다.
다다이즘(영. Dadaism)
1차 세계대전 중에 일어난 아방가르드 예술운동. 1916년 스위스에서 탄생하여 전 유럽으로 퍼져 1920년대 말까지 지속한 예술운동이다. "다다"라는 말은 어린이가 버버거리는 말인데, 이를 예술운동의 명칭으로 삼은 것이다. 의미를 추구하지 않는 반예술로서 시민사회와 권위화된 예술을 거부하는 운동이었다. 이들의 예술은 단어나 음절들이 아무런 의미를 갖지 못하게 나열하는 경우들이 대부분이다. 그리고 지금까지의 전통적 문화를 끌어내리는 일에 열중했다. 음악사적으로는 큰 의미가 없다. 하지만 에릭 사티와 케이지 류의 우연음악 등을 중에 나타난 이 방향의 일종으로 해석하는 의견이 있다.
새로운 실사주의(實事主義, 도.Neue Sachlichkeit)
실사주의라는 말은 흔히 일본어 즉물주의(卽物主義)로 번역되는 일이 많다. 그 내용은 한국의 정신사적 전통에서는 실사구시(實事求是)와 가깝다. 이것은 정신적, 감정적, 이론적인 면보다는 사실 자체에 주목하는 정신이다. 새로운 실사주의는 1920년대에 -독일 중심으로 일어난 운동으로서- 거의 모든 예술 분야에서, 즉 회화, 건축, 문학, 음악 등에서 나타난다. 이는 표현주의의 감정적 성격과는 다르게 냉철하고 사실의 관찰에 더 비중을 두는 예술사조이다. 이것은 표현주의가 퍼진 곳에서만 나타났다. 새로운 실사주의의 음악적 경향은 표현주의의 그것과는 반대적이다. 표현주의 음악에 비해 -더 조성적이며, 형식이 더욱 분명하고, 전음계적인 선율을 사용하며, 리듬 역시 박자의 역할이 비교적 명확함으로 인해- 더 전통적이고 더 단순한 모습을 보여준다. 물론 간혹 패러디적인고 도발적인 면을 통해 현대적 성격도 보여준다. 소규모 편성을 선호한다. 가끔 당대의 대중음악, 특히 째즈의 양식을 취하기도 한다. 여기에 속하는 작곡가들로는 힌데미트, 아이슬러, 바일, 프랑스의 [6인조] 등을 들 수 있다.
기능음악(도. funktionale Musik, 영.functional music)
1940년대 이후 음악사회학 문헌에서 자주 나타나는 용어로서 ①경제적 관련성(작업장, 백화점, 커피집에서 사용되는 배경음악)과 ②사회적 관련성(댄스음악이나 행진곡)이 뚜렷한 음악을 가리킨다. 하지만 말뜻 그대로 음악 외적인 목적과 관련된 기능을 갖는 음악 전반을 말하기도 한다.
음렬음악(영. serial music, 도.serielle Musik)/ 점묘음악(點描音樂 도. uktuelle Musik)
이 용어는 ①쇤베르크 이후의 모든 음렬적 음악을 망라한 개념(영어권), 그리고 ②1950년 이후 있었던 더 심화된 음렬음악 개념(독일어권)의 두 가지 뜻이 있다. 독일어권에서는 쇤베르크 식 "음렬음악"을 <12음기법>이라고 말한다. ②에 해당하는 것을 영어권에서는 총렬음악'Total Serial Music'이라 칭한다. 여기에서는 이 말을 ②의 사용한다. 12음기법에서는 음높이의 사용이 작곡 전에 미리 결정된다. 이렇게 미리 결정짓는 것을 음악의 다른 요소들에 확대 적용한 것이다. 그러니까 음렬음악이란 <음높이> 이외의 다른 요소(음길이, 음의 강도 등)가 최소한 하나 이상이 음악을 미리 결정짓는 역할을 해야한다. 이렇게 미리 결정 지어지는 음악의 어떤 요소들을 매개변수(Parameter)라 한다. 쇤베르크 이후의 음렬음악에서는 <음높이> 이외에도 더 많은 매개변수(Parameter)를 사용한다. 음높이, 음길이, 음의 강도, 음색, 음량, 음향발생의 공간적 장소, 구조의 길이, 음의 수량, 음역, 음색층(Registerlage) 등. 이렇게 이미 결정된 여러 요소들을 가지고 있는 음렬음악에서는 각 음들이 물방울 튀기듯 악보의 여기 저기에 퍼진 고립적 현상으로 보인다. 따라서 선율, 성부, 모티브들의 관련성을 알 수 없게 된다. 음렬 음악 중 이런 성격이 강한 음악을 "점묘음악"(點描音樂 도.puktuelle Musik)이라고도 한다.
음렬음악은 50년대의 유럽의 중심적 음악 경향이었다. 이러한 작곡 방식은 음악의 모든 요소들을 -가능한한 완전하게- 통제하려는 경향을 보였다. 음렬음악은 다름슈타트의 현대음악제를 중심으로 발전되었다. 이들은 주로 베베른을 -그의 음악이 음렬적인 방향을 가리키는 것이라고 말하기 어려움에도 불구하고- 현대음악의 중심적 지표로 삼았던 사람이었다: 슈톡하우젠, 불레즈, 노노, 마데르나(B. Maderna), 베리오(L. Berio), 푸쇠르(H. Pousseur), 주이바르츠(K. Goeyvarts) 등. 이론가들은 메시앙을 음렬음악(영어식으로 말하자면 총렬음악)의 출발점으로 거론하는 경우가 많다. 메시앙의 [음가와 강세의 모드](Mode de valeurs et d'intensit s 1949)는 네개의 모드를 마치 네 개의 매개변수처럼 사용하였다: 음높이, 음길이, 타건 종류, 셈여림관계 종류. 음렬음악은 당시의 다름슈타트 작곡가들이 새로운 음악으로 나아가는 가장 확실한 창구로 생각된 것이었지만, 금방 포기되었다.
킷츠(도. Kitsch)
킷츠는 예술적 의지가 약하고 품위가 없다고 평가되는 예술품을 지칭하는 말이다. 킷츠는 예술이 아닌 것을 예술이라 하여 수용자들을 기만한다는 엄중한 비판을 받는다. 미술에서는 이른바 "이발소 그림"이라 불리는 종류들, 예를 들어 예쁘고 아름다운 호수, 산, 백조 등이 어우러져 있는 그림들을 말한다. 음악에서는 "소녀의 기도"와 같은 살롱음악이나 이와 유사한 것들을 말한다.
열린 형식(도. offene Form, 영.open form)
1950년대의 음악 중 일부를 논하면서 나온 말로서 그 뜻이 항상 일치하지는 않았다. 하지만 공통적인 것은 기존의 고착된 "작품" 개념을 해체하려는 의도를 가지고 만들어진 음악이다. "열린 형식"이란 용어는 20세기 음악을 위해서는 슈톡하우젠이 자신의 작품 Klavierst ck XI(1956)을 설명하면서 최초로 사용한 용어이다. 이 작품은 한 종이 위에 19개의 악보들을 연주자 임의로 순간적으로 자유스럽게 연주하는 음악이다. 목표와 끝이 없는 음악적 과정을 갖는 음악이며, 연주될 때마다 음악이 다르게 나타난다. 그의 다면음악(Momentform)은 이런 생각이 더 발전된 것이다. 하지만 이 용어는 쓰는 사람들에 따라 다양하게 사용된다. 예를 들어 E. 브라운은 각 부분들의 배치 이외에도 변할 수 있는 음악적 재료를 제공공하여 디테일의 구조도 변할 수 있는 음악을 말한다.
꼴라쥐(프.collage. "붙이다"는 뜻의 coller로부터 유래)
1912년 이후 미술에서 사용하는 개념으로 종이, 돌, 쇠조각 등 이물질을 그림에 붙이는 것을 의미한다. 1950년 이후 유행한다. 비슷한 말로 몽타쥐(montage)라는 말도 사용된다. 음악에서는 이미 존재하고 있는 음악들이나 소음(말, 기계소리, 자연의 소리)들을 재료로 사용하여 새로운 음악을 만드는 것을 말한다. 1960-70년대에 많이 사용되었다. 짐머만, 베리오, 카겔, 베리오, 슈니트케 등의 작품에 나타난다.
-죄송합니다 근간 "20C음악미학" 부록편을 통해 소개할 예정입니다-
